Las Artes Plásticas: del Impresionismo a la Abstracción.
1.-Introducción.
2.- Pintura:
2.1.- Impresionismo
2.1.1.- Claude Monet
2.1.2.- Edouard Manet
2.1.3.- Edgar Degas
2.1.4.- Auguste Renoir
2.1.5.- Camille Pissarro
2.1.6.- Alfred Sisley
2.2.- Neoimpresionismo
2.3.- Postimpresionismo
2.4.- Simbolismo
2.5.- Fauvismo
2.6.- Cubismo
2.7.- Futurismo y pintura metafísica
2.8.- Expresionismo
2.9.- Dadaísmo
2.10.- La pintura de 1918 a 1940
2.11.- Surrealismo
2.12.- La abstracción
2.12.1.- La abstracción lírica
2.12.2.- La abstracción geométrica
3.- Arquitectura:
3.1.- Modernismo
3.1.1.- Art Nouveau: Francia y Bélgica
3.1.2.- Modern Style: Inglaterra y Escocia
3.1.3.- Sezessionstil: Austria
3.1.4.- Modernismo: España
3.2.- Arquitectura del S.XX hasta 1945
4.- Escultura:
4.1.- Auguste Rodin
4.2.- Cubismo
4.3.- Futurismo
4.4.- Surrealismo
1.- Introducción:
El impresionismo anuncia el espíritu que caracterizará el arte de vanguardia en el sentido de romper con las formas de representación y expresión hasta el momento vigentes. El camino iniciado por Monet y los impresionistas fué la antesala de los movimientos de Vanguardia. La pintura y escultura no necesitan plasmar la realidad inmediata, para eso está la fotografía; buscan por tanto nuevas formas de expresión.
2.- Pintura
2.1.- Impresionismo.
En 1874 tuvo lugar la primera exposición, ellos eran Monet, Sisley, Cezanne y Degas. Entre todos los cuadros el llamado por Monet "Impression: Soleil levant" de aquí surge el apelativo impresionistas.
Para estos pintores no existe una sola realidad, sino infinitas realidades creadas por la luz y por la incidencia de la misma sobre las cosas. la luz crea la realidad.
Los impresionistas franceses aplican a la pintura una serie de descubrimientos físicos, la "ley de contraste simultáneo". Chevreul desarrolla una nueva ley óptica. Este decía que los colores se dividen en dos, los primarios, amarillo, azul, rojo; por otro, los binarios, naranja, verde y morado. Chevreul demuestra que un color binario se intensifica con un color primario al que llama complementario. La yuxtaposición de los colores primarios produce e la retina del ojo humano el color secundario correspondiente. Los pintores impresionistas en lugar de usar colores mezclados, aplicarán la técnica de "división del tono" el uso de colores puros en el lienzo para que el ojo del espectador realice la fusión y cree el nuevo color. La técnica consiste en pinceladas rápidas y sueltas. Como antecedentes tenemos a Frans Hals y Velázquez.
Monet, Manet, Degas, Renoir, Pissarro y Sisley son los grandes representantes.
2.1.1.- Claude Monet 1840-1926.http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/monet.htm
Considerado la figura más representativa del impresionismo, es pintor de paisajes. Le interesa los efectos que a lo largo del día producen sobre este paisaje los cambios de luz. Pinta series sobre un mismo tema, "Catedral de Rouen", "la Estación de Saint-Lazare", las "ninfeas", cada cuadro, a pesar de representar un mismo tema, consigue ser original y único gracias al ambiente que crea la luz.
2.1.2.- Edouard Manet 1832-1883.http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/manet.htm
Manet parte del realismo, fué evolucionando hasta llegar al impresionismo. Gran admirador de Velázquez y Goya. En 1863 participa en el Salón de los Rechazos con su obra "el almuerzo sobre la hierba" originalmente titulado "El baño". Escandalizó el tema y el tratamiento que en la obra se da al color, yuxtaponiendo colores sin tonos intermedios y rompiendo con las teorías académicas de la distribución de luces y sombras.
Otra obra escandalosa fué su Olimpia
Donde realmente Manet trata la luz y el color como los impresionistas es en sus últimas obras como "el Bar del Folies Bergère"
"La Barca"
2.1.3.- Edgar Degas 1834-1917http://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/degas.htmhttp://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/degas.htm
Sus primeras obras son realistas y evoluciona al impresionismo en su madurez, capta lo instantáneo. Profundo interés por el movimiento, "las Bailarinas" las representa de todas maneras, grupo, aisladas, descansando, calentando, danzando.
En sus últimos años, libera el color de cualquier restricción "la cantante verde"
2.1.4.- Auguste Renoir 1841-1919https://es.wikipedia.org/wiki/Pierre-Auguste_Renoir
Sus obras a base de pinceladas menudas y sueltas son un reflejo de la alegría de vivr como demuestran "le moulin de le Galette"
"El columpio", representan la captación de un instante, la alegría de vivir.
2.1.5.- Camille Pissarro 1830-1903.http://www.camille-pissarro.org/
En la década de los ´60 es ya impresionista. Hacia 1885 se sentirá atraido por el puntillismo de Seurat y Signac que calificó de "impresionismo científico" frente al "impresionismo romántico" de Monet y Renoir. En sus obras además del paisajes puros abundan las vistas de ciudades. "Le Pont Royal et le Louvre".
2.1.6.- Alfred Sisley 1839-1899.http://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/sisley.htm
Junto con Monet y Pissarro es el tercer paisajista del impresionismo. La Luz envuelve sus paisajes "La inindación en Port Marly"
2.2.- Neoimpresionismo
Georges Seurat 1859-1891https://es.wikipedia.org/wiki/Georges_Pierre_Seurat y
Paul Signac 1863-1936https://es.wikipedia.org/wiki/Paul_Signac crean un movimiento, el puntillismo o Neoimpresionismo, que consiste en componer los cuadros mediante innumerables puntos de colores puros diminutos y exáctos. Los puntos sustituyen a las pinceladas. Seurat es el creador del movimiento "Cromoluminarismo". En el Neoimpresionismo, los límites de los objetos no los marcan las líneas, sini que los marca el propio divisionismo del color. Seurat muer con 30 años y Signac continuará empleando esta técnica durante mucho tiempo. "Un domingo en la Grande Jatte".
2.3.- Postimpresionismo
El término fué acuñado por el crítico británico Roger Fry en 1910 a propósito de una exposición de pintura francesa organizada en Londres a la que llamó "Manet y los pstimpresionistas". Las figuras más representativas eran Cezanne, Gaughin y Van Gogh, fallecidos los 3 por esa fecha. Fry quiso destacar que en las obras expuestas de los 3 artistas, tan diferentes entre ellos, ya se había superado el impresionismo y había una búsqueda de nuevas formas de expresión. El Postimpresionismo supone una reacción frente al desprecio por las formas y los volúmenes del impresionismo sin renunciar al interés por el color.
El primero en reaccionar fué Paul Cezanne 1829-1906http://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/cezanne.htm, tras incorporarse al impresionismo, decide crear hacia 1880 su propio estilo consistente en reducir cualquier figura a forma cilíndricas, esféricas o cónicas. Lo que pretende Cezanne es revalorizar el volumen sin perjuicio del color porque para él la forma es perfecta cuando el color se ha modulado perfectamente. La simplificación de los objetos a sus formas más básicas, será la que más tarde de lugar al cubismo. "La montaña Sainte- Victorie"
"Los grandes bañistas"
La Obra de Paul Gaughin 1848-1903http://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/gauguin.htm, arranca del impresionismo, pero se separa pronto, será el precursor del "fauves y el "expresonismo". Gaughin simplifica el colorido y lo aplica uniformemente en grandes superficies separadas por lineas, como si se tratara de un esmalte o una vidriera. De ahí deriva el término "cloisonismo" derivado de la técnica "Cloisonné" de los esmaltes medievales. En plena madurez abandona su profesión y su familia para dedicarse a la pintura. Se traslada a Bretaña, a Pon-Aven, conecta con otros pintore surgiendo la escuela de los "Pon-Aven" o los "Nabis", su rasgo será el sintetísmo, expresará en el cuadro un estado de ánimo a través del color. "La visión después del sermón".
Hacia 1890 marcha a Tahití con la intención de liberarse de la influencia de la civilización para llegar a hacer un arte sencillo y primitivo. "mujeres tahitianas"
"Arearea"
Mata Mua 1892
Vincent Van Gogh 1853-1890http://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/gogh.htm, personalidad atormentada, emplea el color como Gauguin no de un modo descriptivo, sino emocional, a base de pinceladas rápidas y nerviosas cercanas al expresionismo.
"café nocturno"
"la habitacion de Arles"
"La noche estrellada"
Henri de Tolouse Lautrec 1864-1901https://es.wikipedia.org/wiki/Henri_de_Toulouse-Lautrec, excelente dibujante que contribuyó a la recuperación del valor de la forma. Su obra se centra en los temas de la vida nocturna de Montmrtré: teatros, cafés, bailes y prostíbulos, ambiente bohemio. Se le considera el autor del diseño gráfico actual.
Suzanne Valadon
2.4.-Simbolismo
Nace en Francia en 1885, en origen fué un movimiento literario contra el materialismo, moralismo y recionalismo de la era industrial. En pintura el Simbolismo francés tiene precedentes de 2 movimientos, el primero los "Nazarenos" pintores alemanes que fundan en 1809 una cofradía con el fin de devolver el sentimiento religioso a la pintura, adoptando una temática medieval que recogen los simbolistas; el segundo movimiento será constituído por los "pre-rafaelistas" (Millais y Rosetti) seguidores de los artistas anteriores a Rafael.
El simbolismo surge como reacción al naturalismo impresionista. uno de sus mayores representantes será Odilon Redon https://es.wikipedia.org/wiki/Odilon_Redon1840-1916, dice: "nada se hace en el arte solo por la voluntas. Todo se hace por la sumisión dócil de la llamada del inconsciente; avanza así la premisa del surrealismo. Destacan los temas oníricos, paisajes terroríficos, "album de litografías de Edgar Allan Poe"
Pierre Puvis de Chavannes 1824-1888https://es.wikipedia.org/wiki/Pierre_Puvis_de_Chavannes, Gaughin considera precursor de la pintura contemporánes con el se revaloriza la pintura mural, sus murales evocan un pasado clásico a la vez que evidencian una nostalgia romántica. "Leyenda de Santa Genoveva"
Gustave Moreau 1826-1898https://es.wikipedia.org/wiki/Gustave_Moreau, profesor de la escuela de bellas artes de París, de sus enseñanzas nació el Fauvismo, envuelve sus obras en una atmósfera de ensoñación que nos traslada a un mundo imaginario. Los surrealistas tuvieron gran admiración por Moreau. "Aparición"
"Helena sobre los muros de Troya"
2.5.- Fauvismo
Con Henri Matisse http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/matisse.htm a la cabeza, es el primer estilo pictórico del siglo XX. En 1905 en una de la salas del salón de Otoño de París se exponen las obras de una serie de artistas que tienen en común una fuerte violencia cromática. El crítico de arte Louis Vauxcelles, en referencia a una escultura expuesta, dirá que parece "Donatello en la jaula de las fieras (fauves). De este grupo de artistas destacan Matisse, Roualt y Vlaminck. Para los fauvistas el color y la forma tiene un valor de expresión propio independiente del modelo natural. La nota más destacada del fauvismo es su atrevido empleo del color.
En las obras de Henri Matisse 1869-1954 los fuertes contrastes cromáticos, cálidos y frios, contribuyen a construir el espacio. En sus cuadros la forma, el color y la expresión se funden formando una unidad inseparable, como vemos en su "Retrato femenino"
De Georges Rouault 1871 1958https://es.wikipedia.org/wiki/Georges_Rouault destacamos la importanciaque en sus obras tiene el dibujo y la intensidad del color. Es el autor más cercano al Expresionismo. "Crepúsculo"
"Ecce Homo"
Maurice Vlaminck 1876-1958 https://es.wikipedia.org/wiki/Maurice_de_Vlaminckse distingue por el dramatismo que infunde a sus composiciones, con una fuerte expresividad colorista. "Calle de Marly-le-Roi".
destacamos la fugaz presencia de Picasso en este grupo.
2.6.- Cubismo
París 1907, en este año se realiza en el salon de Otoño de París una exposición retrospectiva de Cezanne, fallecido un año antes y precursor del cubismo al reducir la naturaleza a formas geométricas, desvelando la estructura elemental de los objetos. Hay que citar la influencia de Henri Rousseauhttps://es.wikipedia.org/wiki/Henri_Rousseau, "el Aduanero" 1844-1910, con sus composiciones planas y sin perspectiva, sobre los pintores cubistas que le profesaban gran admiración.
Lo que el Cubismo propone es la reunión de los diferente puntos de vista en un mismo lienzo para recomponer la imagen, lo que es lo mismo, la representación de "la cuarta dimensión" o "dimensión de lo infinito". Estas ideas sirven de base no solo al Cubismo, sino a otras tendencias de estos años. Lo que va a permitir a los cubistas representar las 4 dimensiones será la descomposición de las figuras en sus volúmenes más esenciales. Con el Cubismo no tiene importancia el tema, lo verdadesramente importante es la forma de representación. Tampoco interesa el color, por lo que las obras cubistas tienden a ser monócromas, a base de pardos, verdes, amarillos y grises. El gran teórico del Cubismo será Apollinairehttps://es.wikipedia.org/wiki/Guillaume_Apollinaire que escribe entre otras cosas que "la geometría es a las artes plásticas lo que la gramática es al escritor". Para él la "cuarta dimensión" es la que permite ver "la inmensidad del espacio eternizada en cualquier sentido en un momento". El punto de arranque del Cubismo es 1907 año en que Picassohttps://es.wikipedia.org/wiki/Pablo_Picasso realiza "las señoritas de Avignon", obra que por primera vez rompe con la belleza clásica y la perspctiva tradicional.
Serán Picasso, Juan Grishttps://es.wikipedia.org/wiki/Juan_Gris y Georges Braquehttps://es.wikipedia.org/wiki/Georges_Braque, los grandes definidores del Cubismo, movimiento del qie podemos diferenciar tres etapas en su evolución:
1.- Cubismo analítico: 1908-1911 Picasso y Braque, los cuales para conseguir una visión global del objeto lo descompondrán en tantos planos como puntos de vista posea. El fondo y la figura se unifican en su tratamiento, anulando la ilusión de profundidad de la perspectiva tradiconal. El color no interesa, solo interesa la representación de las formas, por lo que en esta etapa predominarán las obras monócromas a base de grises y ocres. Los "Paisajes de Horta del Ebro"
y el "Retrato de Ambroise Vollard" de Picasso y
"El Portugués" de Braque
y "Mujer con Mandolina" de Braque ejemplifican lo que es el cubismo analítico.
2.- Cubismo Hermético: 1911 se tiende a la abstracción por ese mismo deseo de plasmar todos los puntos de vista posibles, llegando a hacer casi irreconocible el objeto. Se acentúa la tendencia monócroma.
3.- Cubismo Sintético: último periodo cubista de 1912-1914. La confusión del Hermetismo había llegado tan lejos que ahora la tendencia es una vuelta a hacer más legible el objeto, por lo que se realiza una selección de los puntos de vista más importantes. El color en estos años se enriquece. En este periodo se introducen en las obras fragmentos de la realidad como cifras, letras, el collage. Los "papiers collés", en las obras cubistas se utilizaron de muchas maneras: simples planos de color o representación de objetos por analogía o como realidad directamente trasladada al cuadro.
En 1921 Picasso realiza una de las obras culminantes del Cubismo Sintético "los tres músicos" en su doble versión.
Juan Victoriano González 1887-1927, conocido como Juan Grishttps://es.wikipedia.org/wiki/Juan_Gris, cuyas obras pueden incluirse en el llamado Cubismo Sintético, concediendo una importancia a la luz y al color, como en "naturaleza muerta"
y en "paisaje de Place Ravignon" que las diferencia de las obras de Picasso y de Braque.
Hablando de Cubismo no podemos dejar de hablar de Fernand Legerhttps://es.wikipedia.org/wiki/Fernand_L%C3%A9ger y Robert Delauny. En las obras cubistas de Leger predominan las formas cilíndricas o tubulares, de ahí denominarse "Tubista, ejemplo "Mujer de rojo y verde"
Robert Delauny https://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Delaunayconcederá tanta importancia a la luz como a la descomposición de las figuras en formas geométricas, dando lugar a lo que Apollinaire denominó "Orfismo" y que para él era un arte puro, y que podríamos definir como un "cubismo coloreado" en el que se multiplican los planos luminosos. Las series de Delauny sobre la Torre Eifel
o la Dedicada a las ventanas son un buen ejemplo de lo que es Orfismo.
2.7.- Futurismo y pintura metafísica.
En Italia el movimiento postimpresonista se va a denominar "Futurismo". El ideólogo del movimiento es el poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti, autor del "Manifiesto Futurista". Un año después del manifiesto poético se produce el "Manifiesto de los pintores futuristas" firmado por Umberto Boccioni, Carlo Carrá, Luigi Russolo, Giacomo Balla y Gino Severino. La obsesión de los futuristas en la representación del dinamismo de la vida. En las obras futuristas, la figura nunca está inmovil, ante el espectador todo se mueve, todo corre.
Umberto Boccioni 1882-1916 fué el verdadero teórico del Futurismo. En sus obras la relación entre figura y espacio es cubista y la pincelada empleada es puntillista mientras que el tratamiento que hace del color y el movimiento lo acercan al Expresionismo. Inventan lo que él llama la "linea-fuerza" o energía que surge como consecuencia de la reacción que producen los contrastes entre las luces y las sombras, creando a partir de aquí lo que se llama "colores fuerza" y "formas fuerza" su tríptico llamado "estados de ánimo" está compuesto por los "adioses", "los que parten", "los que se quedan".
"la calle entra en la casa"
Giacomo Balla 1871-1958, preocupado por el color, además de por el movimiento y por la representación de la velocidad, emplea en sus obras una técnica para muchos infantil e ingénua, que consiste en reproducir las distintas posiciones de las piernas al caminar o de los brazos en la evolución de sus movimientos. "Paso de Mercurio entre el Sol"
Carlo Carrá 1881-1966 toma del cubismo la estructura formal e intenta reflejar en sus obras no solo el movimiento sino la agitación y hasta el ruido. Destacamos "los Funerales del anarquísta Galli".
El más decorativo de los pintores futuristas es Gino Severini 1883-1966, toma del cubismo la estructura formal. Los temas más característicos de su pintura son el ambiente bullicioso y alegre de cafés y bailes, como su "bailarina del bal Tabarín".
El llamado primer futurismo termina hacia 1916, tras la 1ª guerra mundial se inicia el segundo futurismo. Con el tiempo se consideró movimiento de vanguardia y tuvo repercusión en el Dadaísmo, Constructivismo y Surrealismo. Como reacción contra el dinamismo futurista, surge en París 1910 la Pintura Metafísica, creación de Giorgio de Chirico dice que su arte es más hondo, complejo y metafísico que el de sus coetáneos. Vuelve el clasicismo como motivo inspirador, la belleza está en la lejanía de los objetos y el empleo de la perspectiva tradicional. La luz y una técnica muy realista confiere a su obra una sensación extraña e irreal, cercana a las visiones oníricas de los surrealistas, "La conquista del filósofo".
2.8.- Expresionismo
Se desarrolla entre 1905 y 1914 fundamentalmente en Alemania. Coexiste con el Fauvismo y el Cubismo en Francia y con el Futurismo en Italia. El origen del término se atribuye al marchante alemán Paul Cassirer, al preguntarle por una obra de Pechstein respondió que no era "impresionista, sino expresionista". la revista "Der Sturm" difundió el término aplicándolo a las vanguardias artísticas de 1910 a 1920 opuestas al impresionismo. El espresionismo es una actitud ante la creación artística (pintura, música, literatura y cine), deseo de comunicar algo al espectador. El mundo exterior solo importa en cuanto sirve para expresar el mundo interior. Prima el contenido sobre la forma, rechazando la composición, la armonía, la perspectiva y el color tradicionales, para buscar una expresión personal en la que las figuras se distorsionan o retuercen, empleando colores discordantes. La obra de arte se convierte en soporte de un mensaje. Hay que citar al noruego Eduard Munch 1863-1944, precursor del expresionismo aleman. Su obra se caracteriza por la esquematización de las formas, a favor de la expresióncomo vemos en "el grito".
Las dos modalidades de Expresionismo son "Die Brücke" und "Der Blaue Reiter" (el puente y ek caballero azul".
Die Brücke: en 1905, cuatro estudiantes de arquitectura, Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Carl Schmidt-Rottluft y Fritz Bleyl. Dicen: "el puente es una palabra polisémica, que no implica ningún programa, en cierto modo lleva de una orilla a otra. Para nosotros estaba claro de don de debíamos alejarnos, pero a donde llegaríamos, estaba en el aire". El puente se usa para referirse a una renovación espiritual, con un hombre nuevo que tiende un puente hacia el futuro. Se les unen Emil Nolde y Max Pechstein. El grupo tuvo el deseo de transmitir las preocupaciones políticas y sociales existentes en la Alemania pre-bélica, querian llegar al máximo de personas, usan el cuadro de caballete y la Xilografía (estambación en madera). Las lineas son muy angulosas y gruesas, características del expresionismo, empleo de colores muy bruscos, asocian los colores con estados anímicos y con sentimientos. El desnudo y el paisaje serán sus temas favoritos. Kirchner 1880-1928 practica la Xilografía.
Emil Nolde 1867-1953 busca el primitivismo en todos los sentidos. "Crucifixion"
Paisajes de Schmidt-Rottluft,
"Rotura de dique"
Max Pechstein 1881-1953. "bajo los árboles"
Der Blauer Rieter, nombre de un cuadro de Vassily Kandinsky de 1903
Kandinsky 1864-1944 es el fundadorde esta nueva formación expresionista que surge en Munich en 1911 y llega hasta el estallido de la primera WW. Comparte con Der Brücke una marcada oposición a la sociedad de su tiempo. Para Kandinsky, la pintura lo que debe hacer es expresar una serie de valores universales y absolutos del espíritu con la menor carga de objetivismo posible. "el artista debe expresarse a si mismo". En 1910 comienza a realizar lienzos que prescinden de argumento narrativo, los denomina geométricamente "improvisaciones". Con estas pinturas coloca lo irracional por encima de cualquier otro valor. En Kandinsky, las formas y los colores poseen significado en sí mismos, el círculo se identifica con la idea de lo acabado, el triangulo con la idea de la elevación o la superación. El autor no deforma el objeto, prescinde directamente de él, llegando a la abstracción más absoluta.
"improvisación nº4"
Franz Marc 1880-1916 es el más naturalista, toma el mundo animal como tema central de su obra, el caballo, usa el color de forma simbólica, el azul es el color del cielo, infinito y divino, el amarillo el color del principio femenino y el rojo de la materia. "la torre de caballos".
Oscar Kokoschka, crea un estilo propio dentro del expresionismo. en sus retratos los personajes muestran bajo su aspecto externo un angustiado mundo interior, es pintor de paisajes también. "la esposa del viento"
Paul Klee 1879-1940, su obra se situa entre el expresionismo y el surrealismo, con influencias del psicoanálisis de Freud. "cabeza"
"mujer despertando"
2.9.- Dadaismo.
Surge en Suiza en 1916, responde al absurdo social con el absurdo personal de sus actitudes. No quieren hacer ni un arte viejo ni nuevo, quieren acabar con él. El arte en estos momentos se considera inutil, ha dejado de tener su sitio en la estructura social y esto es lo que lleva principalmente a los dadaistas a querer acabar con el arte. No crean obras de arte, usan materiales de desecho, los llamados "ready made". Lo importante para ellos no era la obra sino la actitud y la provocación , el escándalo.
Man Ray 1890-1976
Francis Picabia 1879-1953
Marcel Durchamp 1887-1968 inventor de los "ready made", había empezado con obras cercanas al cubismo y futurismo "desnudo bajando una escalera"
"ready made"
"el gran vidrio"
2.12.- La pintura de 1918 a 1940.
Son autores que no se pueden encuadrar en las tendencias anteriores, pero tienen un peso propioen la vanguardia del XX.
Amadeo Modigliani 1884-1920, se le incluye en la escuela de París, engloba a una serie de artistas que están en la capital francesa al acabar la guerra, destacando Matisse y sobre todo Picasso. Las características son su caracter decorativo y la melancolía que imprime a sus obras. "Mujer con collar"
"Lipchitz y su esposa"
Marc Chagall 1887-1985.Desde joven se instala en París y allí irá consolidando su estilo, cercano al surrealismo, aunque nunca se llegó a adscribir al grupo. En sus obras, ajenas a los problemas de perspectiva y de escala, las figuras sobrevuelan espacios irreales. "Desnudo"
"Adan y Eva"
"en torno a ella"
2.11.- Surrealismo
En 1924 el poeta André Breton publica el primer manifiesto surrealista en el que define el surrealismo como "puro automatismo psíquico, por el que se intenta expresar verbalmente, por escrito o de cualquier otra manera, el funcionamiento real del pensamiento, en ausencia de cualquier control ejercido por la rezón, al margen de toda preocupación estética o moral". El surrealismo pretendía no solo ser un movimiento artístico, sino una actitud del hombre ante el arte. Dificilmente se entiende el surrealismo sin Freud. En 1900 publica "la interpretación de los sueños". Para los surrealistas a la ciencia se llega a través de la razón, mientras que al arte se llega a través del subconsciente.
Las dos formas de penetrar en el subconsciente son el "automatismo" y la "desorientación reflexiva". El automatismo consiste en escribir o dibujar moviendo libremente y sin control la mano. La desorientación reflexiva consiste en plasmar las imágenes del subconsciente en escenarios lógicos, conseguidos a través de perfectas perspectivas renacentistas. La primera exposición de pintura surrealista tuvo lugar en Paris 1925 con obras de Hans Arp
Max Ernst "The fireside angel"
Man Ray "fotogramas"
Paul Klee "pez mágico"
Giorgio de Chirico "la ciudad metafísica"
Andre Masson "paisaje en forma e veneno"
Joan Miro "la tierra labrada"
Pablo Picasso "la crucifixión"
Pierre Roy "la playa"
Más tarde se unirán: Tanguy "el universo surrealista"
Dalí "el loco tristán" https://es.wikipedia.org/wiki/Salvador_Dal%C3%AD
Magritte "Le fils de l´homme"
Oscar Dominguez "le dimanche"
Miró, Max Ernst y Masson serán los mejores representantes del automatismo psíquico en pintura.
Max Ernst 1891-1976 inventa el "frottage" consiste en frotar con un carboncillo o pincel, sobre el lienzo o papel un objeto áspero, que de lugar a una imagen que consiga activar la imaginación y despertar el inconsciente. La "decalcomanía" consiste en colocar entre dos superficies un poco de pintura y hacer presión para conseguir una imagen. otra técnica es la "oscilación" consiste en dejar caer sobre el lienzo unas gotas de pintura desde una lata agujereada que se mueve aleatoriamente. No hay ningún control sobre la imagen obtenida. El "collage" inventado por los cubistas y usado por Dada, también será usado por los surealistas
Andre Masson 1896-1987 supo plasmar el automatismo. En sus lienzos embadurnados de pegamento, espolvorea arena de colorea añadiendo lineas o manchas de pintura para completar la imagen surgida al azar con las arenas. Yves Tanguy 1900-1955 es otro ejemplo de automatismo. Sus paisajes son espacios oníricos donde no hay luz ni horizonte, ni división entre cielo y tierra.
Para Dalí y Magritte, el surrealismo debe estar en la obra y no en el acto de realizarla, pintan sueños, apoyándose en la pintura tradicional y académica, son autores de la técnica surrealista denominada "desorientación reflexiva" Magritte 1898-1967 usa en sus obras objetos cotidianos y normales a los que asigna propiedades inusitadas o anormales, creando ambientes o situaciones que sólo pueden ser posibles en los sueños. "Delirios de grandeza", Magritte.
"El imperio de la luz", bajo un cielo claro y luminoso aparece una casa y un paisaje iluminados como si fuera de noche, provocando una sensación inquietante.
2.12.- La abstracción.
Surge partiendo de la premisa de que un cuadro antes de ser una imagen concreta es una superficie plana cubierta de coloresensamblados en cierto orden. El objetivo de la pintura no debe ser la representación fidedigna de los objetos y seres de la naturaleza sino la adecuada distribución de colores y formas sobre el lienzo. Hay 2 pintores decisivos para esta tendencia artística: Vassily Kandinsky "tension suave" (1923)
que servirá de punto de partida en la "abstracción lírica" y Robert Delauny que será precedente de la llamada "abstracción geométrica" llamada "constructivismo"
2.12.1.- Abstracción lírica.
lleva hasta sus últimas consecuencias la técnica surrealista del automatismo y su máximo representante es Jackson Pollock 1912-1956. En sus lienzos agotará la técnica de la oscilación o dripping, combinándola con tachaduras o manchas realizadas con grandes brochas y muy rápidamente, como vemos en sus obras "Composición".
La abstracción lírica en Europa comprende cuatro modalidades:
1.-"Pintura gestual o de signo" importancia concedida al gesto físico de pintar, con rapidez en la ejecución y por la utilización de signos sobre las grandes superficies cubiertas totalmente de pintura. autores:
Georges Mathieu
Jean Dubuffet
2.-"Informalismo o tachismo", anula todo tipo de estructura formal y conceptual y cuyo máximo representante es Jean Fautriet, que en muchas obras sustituye el oleo tradicional por una mezcla de yeso, cemento, pintura aplicada con una espátula.
Wols, calificado como el padre del tachismo.
3.-"Pintura Matérica"la preoculación es el material con el que se realiza la obra, así se multiplican los materiales utilizados que van desde trapos a serrin.
Alberto Burri
y Antoni Tapies "gato y pirámides"
4.-"Espacialismo". su objetivo es conseguir en el cuadro la inclusión del espacio tridimensional, que se logra perforando el lienzo cuando está todavía libre de pigmentos.
Lucio Fontana.
En España hay 2 grupos: "Dau-al-Set"
Modest Cuixart
Calin DoverTarrats "Jeroglífico orgánico"
Tapies "verd, blau i palla"
el grupo "El Paso" con Saura
Feito
Millares
Canogar "raza" 1962
Manuel Viola
Martin Chirino
Pablo Serrano.
2.12.2.- Abstracción geométrica.
comprende cuatro escuelas o movimientos.
1.- El Neoplasticismo o Movimiento "De Stilj": Holanda. Su antecedente inmediato es el Cubismo. El Máximo representante de este movimiento es Piet Mondrian, que defiende el uso exclusivo del ángulo recto y seis colores: azul, rojo, amarillo, blanco, negro, gris.
2.- Suprematismo y constructivismo: Rusia. surge en 1913 Kasimir Malevich 1878-1935, en absoluta simplificación geométrica reduce todas las formas a cuatro figuras: triangulo, cuadrado, circulo y cruz. Casi al mismo tiempo que el suprematismo nace el constructivismo, influido por el Futurismo y el Cubismo, con la cualidad de primar la construcción y la funcionalidad de la obra sobre la representación, dando lugar a obras de aspecto de pieza de ingeniería, con ruedas, palancas, etc.
El constructivismo plantea un lenguaje tridimensional, sompiendo los límites entre arquitectura, escultura y pintura. Son representantes del constructivismo los hermanos Anton Pevsner y Naum Gabo,
Antonio Pevsner
y El Lissitzky
3.- La Bauhaus: Alemania. en 1919 el arquitecto Walter Gropius crea la Bauhaus, una escuela donde alumnos y profesores vivian en el recinto compartiendo trabajo y ocio.
Moholy-Nagy
y Josef Albers investigan acerca de la comunicación de las formas geométricas.
4.- "Cercle et Carré": Francia.
aglutina a los artistas de abstracción geométrica no integrados en el suprematismo.
3.- Arquitectura: del impresionismo a la abstracción.
3.1.- Modernismo
Es un movimiento artístico muy breve que abarca el último decenio del siglo XIX y el primero del siglo XX, que tiene varias denominaciones según el país del que se trate: "Modernismo" en España, "Art Nouveau" en Francia y Bélgica, "Stile Liberty" en Italia, "Sezesionstil" en Austria, "Jugendstil" en Alemania y "Modern Style" en Gran Bretaña. El modernismo es un estilo decorativo, predominantemente de temas vegetales y basado en el predominio de la linea ondulada y asimétrica. Pese a ser básicamente un estilo decorativo, en arquitectura la decoración siempre quedará subordinada a la funcionalidad del edificio. Destacar los nuevos materiales: Hierro y Vidrio fundamentalmente.
3.1.1.- "Art Nouveau": Francia y Bélgica.
Creador del estilo Victor Horta 1861-1947, emplea en sus construcciones el hierro y el cristal. Destacamos la "casa del pueblo" en Bruselas.
Hanry van de Velde 1867-1957, desarrolló un importante papel en las vanguardias.
Hector Guimard 1867-1942 autor de las célebres estaciones de metro de París
3.1.2.- "Modern Style": Inglatera y Escocia.
vinculado al movimiento inglés "Arts and Crafts" reivindican la artesanía y la dignificación artística de las artes decorativas, aspecto que tomará para sí el modernismo. Este estilo tiene como representante al arquitecto inglés Charles Francis Annesley Voysey 1857-1947, creador de un estilo nuevo en sus "casas de campo".
En Escocia sobresale Charles Rennie Mackintosh 1868-1928, cuya obra más representativa es la "escuela de bellas artes de Glasgow"
3.1.3.- "Sezessionstil": Austria.
Frente al Art Nouveau de Francia y Bélgica en el que hay un predominio de las lineas curvilineas, en Austria se tiende a formas lineales y geométricas rectas, sin olvidar el caracter eminentemente decorativo que caracteriza al estilo que nos ocupa. En la obra de Otto Wagner 1841-1918 las formas predominantes son el cuadrado y el cubo. Citamos la "Casa Majolika" cuya fachada aparece recubierta de cerámica.
Discípulo de Wagner es José María Olbrich 1887-1908, autor del "Edificio de la Sezession" de Viena. Estos formaban el grupo separado de la academia oficial.
3.1.4.- "Modernismo": España.
Cataluña es la cuna del modernismo en España, con Antonio Gaudí 1852-1926, partiendo de fórmulas y estilos del pasado logra hacer una arquitectura completamente nueva. Concede un gran protagonismo a las cubiertas de los edificios, en la casa Milá, las chimeneas son esculturas como guerreros medievales, al igual que en la "casa Batlló".
El parque Güel
Su obra inacabada "La Sagrada Familia" construye el ábside, la cripta y la fachada del nacimiento, partiendo de esquemas neo-góticos.
Junto a Gaudí estan Luis Doménech y Montaner 1850-1924 autor del palacio de la música.
Josep Puig y Cadafalch 1867-1957 autor de acento tardogótico "Casa de les Punxes"
3.2.- Arquitectura del Siglo XX hasta 1945.
Surge el estilo funcional, busca la funcionalidad y la racionalización de los espacios habitables, lo que lleva a una simplificación de los elementos decorativos, buscando a través del empleo de los nuevos materiales, formas claras y volúmenes en lugar de masas. La arquitectura funcional comprende dos momentos: la etapa racionalista, representada por:
Le Corbusier 1887-1965 la arquitectura es fundamentalmente un juego de volúmenes cubos, conos, esferas, unidos bajo la luz. Concibe el edificio de fuera hacia dentro, buscando la armonía de los volúmenes y preocupándose por el efecto plástico. "Villa Saboya"
"Iglesia de Ronchamp"
Gropius, traza más desde el interior yuxtaponiendo volúmenes, consiguiendo enriquecer de este modo la sensación de perspectiva. Su obra enlaza el estilo funcional y el orgánico.
Mies Van der Rohe 1886-1969 el interés principal de la arquitectura radica en la industrialización de sus elementos. Una de sus principales obras es la "casa lange" los muros se extienden más allá de lo que es el edificio prolongándose en el espacio.
Erick Mendelson, concibe sus obras con el dinamismo propio del Expresionismo. "Torre de Einstein" en Postdam.
Y la etapa que se denomina orgánica creador de ese "estilo orgánico", Frank Lloyd Wright. EEUU 1869-1959. concibe la arquitectura de dentro hacia fuera. Lo fundamental de un edificio es su espacio interior, la confortabilidad del espacio. concede una importancia extraordinaria a que el exterior de los edificios se adapte al entorno y al paisaje en que se ubican, para sus obras realizará previamente estudios de clima, "la casa de la cascada"
"museo Guggenheim" NY
Dentro de la arquitectura del Siglo XX hay que citar el nacimiento de un nuevo tipo de edificio, el rescacielos. La solución a la escasez de suelo urbano llevará al desarrollo del espacio urbanizable en altura, lo cual solo fué posible con el desarrollo del ascensor.
En España destacamos a Antonio Palacios
T. de Anasagasti
M. López Otero.
4.- Escultura: del impresionismo a la abstracción
4.1.- Auguste Rodin.
El impresionismo tendrá en la escultura a un representante Rodin 1840-1917. Elabora un nuevo lenguaje escultórico con un novedoso tratamiento del volumen en el que la luz juega un papel de primer orden al modelar perfiles. Utiliza el "inacabado" aspecto aboceteado sin acabar, tratando que la luz termine por completar la imagen escultórica.
En 1880 Rodin recibe el encargo de realizar una gran puerta, a la que tituló como "puerta del infierno" para el museo de Artes Decorativas de París eligiendo la "Divina Comedia" de Dante. No la llegó a terminar, pero para ella realizó alguna de sus más célebres obras, "el beso"
y "el Pensador"
destacamos "Los ciudadanos de Calais"
4.2.- Escultura: Cubismo.
La escultura a principios del XX reacciona a favor de la forma, dando lugar a una geometrización volumétrica. El Marmol y el bronce dejan de ser los materiales ganando terreno el hierro. Derain esculpe "mujer sentada"
Plenamente cubista, Brancussi modela sus obras reduciéndolas a formas esenciales (fundamentalmente el ovoide) y renunciando a todo lo anecdótico. obras representativas suyas son sus musas dormidas y "el comienzo del mundo".
En España Pablo Gargallo 1881-1934
y Julio Gonzalez 1876-1942 son los grandes renovadores de la escultura de nuestro país.
"Mujer ante el espejo"
4.3.- Escultura: futurismo.
Boccioni además de pintor fué escultor, unico firmante de los manifiestos de la escuela futurista, la escultura refleja la misma obsesión por la representación del dinamismo. Es el creador de los "polimaterici" o piezas construídas a base de elementos variados (madera, vidrio, carton, hierro)
Niega la exclusividad de un material para la construcción de un conjunto escultórico, ya que según él, para obtener una emoción plástica, es necesario el uso de hasta 20 materiales. "formas únicas de continuidad en el espacio".
4.4.- Escultura: surrealismo.
Destacaremos dentro de la escultura surrealista a Jean Arp, Alberto Giacometti y a Alexander Calder, sus obras nos transportan a un mundo onírico e irreal.
Jean Arp 1887-1966 cofundador del dada, pasó pronto al surrealismo, destacando por sus relieves y esculturas de formas embrionarias, como en "concreción humana".
Las esculturas objeto de Alberto Giacometti 1901-1966 formadas por elementos que hacen referencia a episodios concretos de su vida. "Palacio a las cuatro de la mañana" donde la column vertebral suspendida de un hilo y el dinosaurio paarece ser que se refieren a una situación vivida por Giacometti.
Con Alexander Calder 1898.1976 surgen todas las tendencias escultóricas de vanguardia. Sus obras comprenden dos modalidades: los "Stabiles" obras concebidas para ser colocadas al aire libre
y los "mobiles", esculturas cinéticas policromadas, suspendidas en el aire. las dos modalidades se complementan con las vibraciones sonoras que producen los distintos elementos que conforman las obras al ser balanceados por el aire. Las obras de Calder aúnan el constructivismo con la caricatura y el surrealismo.
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